Royal Albert HallAudioguide

Willkommen in der Royal Albert Hall, einer der berühmtesten Konzerthallen der Welt und ein bleibendes Denkmal für Prinz Alberts Vision von Kunst und Wissenschaft. Diese markante Rotunde aus rotem Backstein wurde von den Royal Engineers Francis Fowke und Henry Scott entworfen. Die Bauzeit erstreckte sich über vier Jahre, von 1867 bis 1871, und führte zu einer Form, die von den großen Amphitheatern des antiken Roms inspiriert ist. Dieses kreisförmige Design sorgt dafür, dass das Publikum die Bühne umschließt, wodurch trotz der gewaltigen Ausmaße der Halle eine intime Verbindung zwischen den Künstlern und den Zuschauern entsteht. Das Gebäude sollte ursprünglich 'Central Hall of Arts and Sciences' heißen, doch Königin Victoria änderte den Namen bei der Grundsteinlegung zu Ehren ihres verstorbenen Ehemanns. Der Bau war ein bedeutendes Unterfangen des viktorianischen Zeitalters, für das Millionen von Ziegeln und eine komplexe Eisenkuppel verwendet wurden. Heute ist die Halle ein zentraler Bestandteil der Londoner Kulturlandschaft und beherbergt jedes Jahr Hunderte von Veranstaltungen, von klassischen Konzerten bis hin zu Rockshows. Die Architektur spiegelt den Ehrgeiz der Epoche wider und verbindet klassische Inspiration mit den industriellen Innovationen des späten neunzehnten Jahrhunderts.

Leon Brocard from London, UK · CC BY 2.0

Während das prunkvolle Albert Memorial auf der anderen Straßenseite in den Kensington Gardens steht, ist diese Halle der funktionale Teil desselben großen Denkmals. Sie wurde konzipiert, um Prinz Alberts ehrgeizige Vision eines dauerhaften Zuhauses für 'Kunst und Wissenschaft' zu verwirklichen – ein Ort, an dem die Öffentlichkeit gebildet und unterhalten werden konnte. Dieser Bereich von South Kensington wird oft als 'Albertopolis' bezeichnet, da er mehrere erstklassige Museen und Institutionen beherbergt, die aus den massiven Gewinnen der Weltausstellung von 1851 finanziert wurden. Albert, die treibende Kraft hinter dieser Ausstellung, wollte sicherstellen, dass ihr Vermächtnis dem kulturellen und intellektuellen Wachstum der Nation zugutekommt. Der Standort der Halle wurde strategisch gewählt, um diesen neuen intellektuellen Bezirk zu verankern und sie in die Nähe anderer historischer Wahrzeichen zu rücken. Im Gegensatz zu herkömmlichen Denkmälern, die rein dekorativ sind, dient dieses Gebäude als lebendiger Raum, der weiterhin genau die Aktivitäten beherbergt, die Albert förderte. Indem sie einen Veranstaltungsort für groß angelegte Musik, Debatten und Aufführungen bietet, führt die Halle den Glauben des Prinzgemahls fort, dass der Zugang zu Kultur ein universelles Recht sein sollte. Sie steht als physische Manifestation viktorianischen Idealismus und des philanthropischen Geistes, der das moderne London geprägt hat.

Photo: Fry72 · CC BY-SA 4.0

Эдвард Джон Пойнтер · 1870

Die oberen Bereiche des Gebäudes werden von einem durchgehenden Terrakotta-Mosaikfries umspannt, der sich über 240 Meter erstreckt und als 'Der Triumph von Kunst und Wissenschaft' bekannt ist. Dieses beeindruckende dekorative Element wurde von Künstlern des heutigen Victoria and Albert Museums geschaffen. Der Fries zeigt verschiedene allegorische Szenen, in denen die Nationen der Welt Britannia Kunst und Waren präsentieren, und feiert den Geist der internationalen Zusammenarbeit, der auf der Weltausstellung zu sehen war. Die Technik, die für dieses Werk verwendet wurde, war für ihre Zeit hochinnovativ. Einzelne Mosaikfliesen wurden von Facharbeiterinnen in der Fliesenmanufaktur Minton Hollins in Stoke-on-Trent im Trockenpressverfahren hergestellt. Diese Fliesen wurden dann sorgfältig zu den Szenen zusammengesetzt, die Sie heute sehen. Diese Methode ermöglichte ein hohes Maß an Detailgenauigkeit und Haltbarkeit, wodurch sichergestellt wurde, dass der Fries den industriellen Smog Londons überstehen würde. Der Fries ist in sechzehn verschiedene Abschnitte unterteilt, von denen jeder einen anderen Bereich menschlicher Errungenschaften wie Musik, Ingenieurwesen und Astronomie darstellt. Er dient als architektonisches Erzählmittel, das die gesamte Halle in eine Geschichte des Fortschritts und der globalen Errungenschaften einhüllt. Die Verwendung von Terrakotta war ein Markenzeichen des viktorianischen South Kensington und wurde aufgrund ihrer Witterungsbeständigkeit und ihres warmen, roten Farbtons gewählt.

Photo: Man vyi · Public domain

Ein genauerer Blick auf den Mosaikfries offenbart personifizierte Tugenden, die die Viktorianer in höchstem Maße schätzten. Unter den vielen Figuren können Sie Darstellungen von 'Frieden' und 'Copia', oder Überfluss, im klassischen Stil entdecken. Diese Figuren sind nicht nur dekorativ; sie symbolisieren den viktorianischen Glauben, dass die Menschheit durch globalen Handel, fortschrittliche Technik und das Streben nach Kunst dauerhaften Wohlstand erreichen könne. Der Fries fängt einen Moment in der Geschichte ein, in dem sich das Britische Weltreich als Anführer des industriellen und kulturellen Fortschritts sah. Beachten Sie die Figuren, die Handelswerkzeuge und wissenschaftliche Instrumente halten, was die praktische Anwendung von Wissen unterstreicht, die die Ära definierte. Die Präsenz des 'Friedens' ist besonders bedeutsam, da die Weltausstellung darauf abzielte, die Harmonie zwischen den Nationen durch den Austausch von Ideen und Waren zu fördern. Diese allegorischen Szenen sollten alle inspirieren, die sich der Halle näherten, und suggerieren, dass die darin abgehaltenen Aufführungen und Vorträge Teil einer größeren globalen Geschichte waren. Das handwerkliche Niveau dieser Terrakottafiguren zeigt die akribische Liebe zum Detail, die viktorianische Handwerker in öffentliche Bauwerke einbrachten. Es bleibt eines der vollständigsten und am besten erhaltenen Beispiele großflächiger viktorianischer Architekturmosaike in der Stadt.

Photo: Chmee2 · CC BY-SA 3.0

Moderne Ergänzungen der äußeren Nischen der Halle, wie diese Statue von Königin Elisabeth II., stellen sicher, dass die königliche Verbindung des Veranstaltungsortes aktuell bleibt. Diese Statue wurde anlässlich des 150-jährigen Jubiläums des Gebäudes in Auftrag gegeben und dient als zeitgenössischer Abschluss der langen Geschichte der königlichen Schirmherrschaft. Sie zeigt die verstorbene Monarchin in einer würdevollen Pose und bewahrt die Tradition der königlichen Beteiligung, die begann, als Königin Victoria 1867 den Grundstein legte. Im Gegensatz zu den Terrakotta- und Ziegelarbeiten der Hauptstruktur ist diese Figur eine kürzliche Installation, wurde jedoch so entworfen, dass sie sich nahtlos in das bestehende architektonische Programm einfügt. Die königliche Familie hat hier schon immer eine zentrale Rolle gespielt, wobei verschiedene Mitglieder als Schirmherren fungierten oder hochkarätige Veranstaltungen besuchten. Die Platzierung dieser Statue in einer äußeren Nische folgt dem ursprünglichen Plan der Architekten, die beabsichtigten, dass diese Räume schließlich bedeutende Persönlichkeiten beherbergen sollten. Durch das Hinzufügen neuer Statuen im einundzwanzigsten Jahrhundert zeigt die Halle, dass sie kein statisches Museum ist, sondern ein Veranstaltungsort, der sich zusammen mit der Nation weiterentwickelt. Die Statue dient als stille Erinnerung an die institutionelle Stabilität, die es der Halle ermöglicht hat, über drei verschiedene Jahrhunderte hinweg zu bestehen.

Photo: Daderot · CC0

Die großen Eingangsportale, wie zum Beispiel Tür 9, sind entscheidend, um das praktische Design des Gebäudes zu verstehen. Als die Halle eröffnet wurde, war sie für bis zu 8.000 Personen ausgelegt – eine beeindruckende Zahl für einen Veranstaltungsort im Innenbereich im 19. Jahrhundert. Um sicherzustellen, dass eine so große Menschenmenge schnell und sicher ein- und ausgehen konnte, integrierten die Architekten mehrere große Eingänge entlang des gesamten kreisförmigen Umfangs. Jeder Eingang ist deutlich nummeriert und mit kunstvollen Steinmetzarbeiten versehen, die die römisch inspirierte Ästhetik der Halle widerspiegeln. Diese Portale dienten als effiziente Übergangspunkte, an denen Besucher mit der Kutsche ankamen, bevor sie die geschützten Korridore im Inneren betraten. Die technische Herausforderung, Tausende von Menschen durch einen einzigen Raum zu bewegen, war ein Hauptanliegen der Planer Fowke und Scott. Sie nutzten breite Türöffnungen und eine Reihe strahlenförmig angeordneter Korridore, um Engpässe zu vermeiden. Obwohl moderne Sicherheitsvorschriften die Kapazität der Halle auf etwas über 5.000 Plätze reduziert haben, funktionieren diese ursprünglichen Eingänge für das heutige Publikum immer noch einwandfrei. Die Kombination aus dekorativem Mauerwerk und funktionalem Layout ist ein Markenzeichen der Royal Engineers, die das Bauwerk entwarfen. Wenn Sie die nummerierten Türen betrachten, können Sie sehen, wie der viktorianische Fokus auf Effizienz direkt in die ornamentale Fassade integriert wurde.

Photo: KlickingKarl · CC BY-SA 3.0

Wenn Sie eintreten, gelangen Sie in den Amphi-Korridor, einen großen, kreisförmigen Gang, der der einzigartigen Hufeisenform des Auditoriums folgt. Dieser Raum fungiert als Puffer zwischen den belebten Straßen Londons und der ruhigen Atmosphäre des Konzertsaals. Während Sie entlang der Kurve gehen, achten Sie darauf, wie die Wände als informelle Galerie genutzt werden, in der Fotos und Erinnerungsstücke die reiche Aufführungsgeschichte des Veranstaltungsortes dokumentieren. Die gefliesten Böden und die gewölbten Decken sind originale viktorianische Elemente, die sowohl langlebig als auch elegant gestaltet wurden. Dieser Korridor ermöglicht es Besuchern, sich im gesamten Gebäude zu bewegen, ohne den Zuschauerraum betreten zu müssen, und bietet Zugang zu den verschiedenen Logen und Rängen. Im 19. Jahrhundert war dies ein Ort, um zu sehen und gesehen zu werden, an dem die soziale Elite während der Pausen flanierte. Die Kreisform des Gebäudes bedeutet, dass es keine Sackgassen gibt; der Korridor führt einfach wieder zurück und spiegelt den bereits erwähnten Einfluss römischer Amphitheater wider. Der Übergang von der roten Backsteinfassade zu diesem inneren Ring markiert den Beginn des immersiven Erlebnisses eines Konzertbesuchs. Er bleibt eines der markantesten architektonischen Merkmale der Halle und unterstreicht ihre Rolle als ein Ort, der für Gemeinschaft und gemeinsame Erlebnisse geschaffen wurde.

Photo: KlickingKarl · CC BY-SA 3.0

Frederick Newenham · 1842 · canvas, oil paint

Dieses Porträt der jungen Königin Victoria liefert den Kontext für die offizielle Eröffnungszeremonie der Halle am 29. März 1871. Es war ein Ereignis von großer nationaler Bedeutung, aber auch zutiefst persönlich für die Königin. Als der Moment kam, in dem sie sprechen und den Veranstaltungsort offiziell eröffnen sollte, war sie so von Trauer um ihren verstorbenen Ehemann, Prinz Albert, überwältigt, dass sie kein Wort herausbrachte. Der Prinzgemahl war die treibende Kraft hinter der Konzeption der Halle gewesen, war jedoch zehn Jahre zuvor verstorben, ohne seine Vision verwirklicht zu sehen. In einem bewegenden Moment musste ihr Sohn, der Prince of Wales, einspringen und die Halle an ihrer Stelle für eröffnet erklären. Victoria blieb auf ihrem Platz sitzen, sichtlich gezeichnet von der Abwesenheit des Mannes, dem das Gebäude gewidmet war. Diese Geschichte unterstreicht, dass die Halle mehr als nur ein Aufführungsort ist; sie war ein physischer Akt der Trauer und des Gedenkens. Die Beziehung zwischen der Königin und dem Gebäude, das den Namen ihres Mannes trägt, bleibt eine der berühmtesten Geschichten seiner Geschichte. Dieses Porträt zeigt die Monarchin zu einer Zeit, als ihr Leben untrennbar mit dem Vermächtnis Alberts und dem Kulturviertel, das er mitbegründete, verbunden war.

Frederick Newenham · Public domain

Wenn man in das riesige Auditorium blickt, offenbart sich das wahre Ausmaß der Royal Albert Hall. Der Raum ist durch seine ikonische rote Bestuhlung und die kunstvollen Blattgoldverzierungen definiert, die eine königliche Atmosphäre schaffen, in der bereits Könige, Königinnen und Staatschefs empfangen wurden. Während das Gebäude ursprünglich für 8.000 Personen ausgelegt war, ist die Kapazität aufgrund moderner Sicherheitsvorschriften und der Notwendigkeit verbesserter Sichtlinien heute auf 5.272 Plätze begrenzt. Die Sitzplätze sind in mehreren Rängen angeordnet, die sich hoch zur Decke erstrecken und sicherstellen, dass jeder Zuschauer einen Blick auf die Bühne hat. Dieses 'vertikale' Design ist ein weiteres Merkmal, das von klassischen Amphitheatern übernommen wurde und den Zuschauern das Gefühl geben soll, Teil der Aufführung zu sein. Das Farbschema aus Karmesinrot und Gold wurde gewählt, um den königlichen Status der Halle widerzuspiegeln und eine warme, einladende Kulisse für die vielfältigen Veranstaltungen zu bieten. Vom Arenaboden bis zur Galerie ganz oben ist der Raum für große Spektakel konzipiert. Die Lichtanlagen und die moderne technische Ausrüstung sind in die viktorianische Architektur integriert, wodurch die Halle als erstklassiger Veranstaltungsort für alles von Symphoniekonzerten bis hin zu Boxkämpfen fungieren kann.

Photo: Colin · CC BY-SA 4.0

Der Blick von den Logen auf dem Grand Tier bietet eine einzigartige Perspektive auf die Bühne und die Architektur des Auditoriums. Diese Logen waren zentral für den ursprünglichen Finanzplan der Halle. Um den Bau zu finanzieren, ohne sich ausschließlich auf öffentliche Gelder zu verlassen, verkauften die Gründer die Logen an wohlhabende Viktorianer mit Pachtverträgen über 999 Jahre. Diese 'Sitzplatzinhaber' zahlten im Voraus eine beträchtliche Summe für das Recht, fast jeder Aufführung im Veranstaltungsort beizuwohnen. Bemerkenswerterweise befinden sich einige dieser Logen noch heute im Privatbesitz der Nachfahren jener ursprünglichen viktorianischen Investoren. Dieses System des Privateigentums ist ein seltenes Überbleibsel des Veranstaltungsmanagements des 19. Jahrhunderts. Jede Loge bietet einen privaten, intimen Raum innerhalb der riesigen Halle, der oft mit individuellen Akzenten der Familien dekoriert ist, die die Pachtverträge halten. Von hier aus können Sie sehen, wie die Logen einen markanten Ring um das Auditorium bilden und die unteren Parkettplätze von den oberen Rängen trennen. Diese Anordnung wurde entworfen, um der sozialen Hierarchie der damaligen Zeit gerecht zu werden und eine klare Trennung zwischen den verschiedenen Klassen der Konzertbesucher zu schaffen. Während heute viele Logen von der Halle für den allgemeinen Ticketverkauf genutzt werden, bleibt die Präsenz der privaten Sitzplatzinhaber eine Verbindung zur Gründungsära des Veranstaltungsortes.

Photo: CrisNYCa · CC BY-SA 4.0