Courtauld Institute of ArtAudioguia

Paul Gauguin · 1897-01-01T00:00:00Z · oil paint, canvas

Em 1897, Paul Gauguin pintou este nu deitado durante a sua segunda estadia no Taiti. A figura retratada é Pahura, a jovem companheira taitiana de Gauguin. Ela encontra-se deitada sobre uma cama com padrões, com um olhar inquieto e alerta, longe de um estado de repouso. O título, inscrito no canto superior esquerdo, faz uma referência direta ao famoso poema de Edgar Allan Poe, 'O Corvo'. Logo atrás da jovem, uma ave escura, semelhante a um corvo, pousa numa prateleira, reforçando uma sensação de melancolia ou presságio. Duas figuras misteriosas conversam à porta, no fundo, e a sua presença contribui para um ambiente de suspeita ou vigilância. Gauguin utilizou áreas de cor planas e contornos marcados para romper com o naturalismo europeu. O seu objetivo era captar a sensação de inocência perdida sob o domínio colonial francês. Os tons ricos de púrpura, ocre e azuis profundos criam uma atmosfera sombria e pesada. Ao contrário dos nus tradicionais ocidentais da época, a figura aqui apresentada não é um objeto de simples beleza. Pelo contrário, parece sobrecarregada pela ansiedade. Gauguin escreveu que pretendia sugerir 'um certo luxo bárbaro há muito desaparecido'. Pintou esta obra enquanto lamentava a morte da sua filha, Aline, o que poderá explicar o sentimento de luto que a permeia. A ave escura serve como testemunha silenciosa deste mundo que se desvanece. A assinatura do artista e o ano estão claramente inscritos logo abaixo do título, no canto superior esquerdo.

Jean-Pierre Dalbéra from Paris, France · CC BY 2.0

Hans Eworth · 1550-01-01T00:00:00Z · oil paint, panel

Este retrato complexo, datado de 1550, mostra o soldado e aventureiro inglês Sir John Luttrell. Ele emerge de águas turbulentas e escuras, com o tronco nu e o braço musculado erguidos num gesto de resistência. À direita, um navio naufraga numa tempestade violenta, atingido por um relâmpago. Esta cena refere-se, provavelmente, ao serviço militar de Luttrell no mar durante as guerras com a Escócia. No canto superior esquerdo, um grupo de figuras celestiais oferece um contraste marcante com o caos abaixo. Uma mulher, segurando um ramo de oliveira, representa a Paz e observa o cavaleiro em luta. O braço de Luttrell está envolto numa faixa cor-de-rosa e preta, símbolo da sua patente militar ou lealdade pessoal. A pintura funciona como uma alegoria da sobrevivência e da esperança de paz após o conflito. Hans Eworth, um artista flamengo a trabalhar em Inglaterra, captou a expressão determinada de Luttrell com grande detalhe. Repare na pulseira de ouro no seu pulso e na pequena inscrição na rocha, no canto inferior esquerdo, que comemora a sua resiliência.

Hans Eworth · Public domain

Robert Campin · 1415-01-01T00:00:00Z · oil paint, panel

Conhecido como o Tríptico de Seilern, este retábulo de três painéis é uma obra de referência da pintura flamenga primitiva. No painel central, o corpo de Cristo é cuidadosamente depositado num túmulo de pedra. Em seu redor, encontram-se figuras em luto, incluindo Maria Madalena, que se ajoelha aos pés da sepultura. O artista, Robert Campin, alcançou um detalhe extraordinário através da técnica, então relativamente nova, da pintura a óleo. É possível observar as lágrimas individuais nos rostos e a textura delicada dos véus translúcidos. O fundo apresenta um padrão dourado cintilante, um elemento tradicional medieval, embora as figuras possuam um peso escultórico moderno. O painel esquerdo mostra o doador da pintura ajoelhado em oração perante as cruzes vazias do Calvário. À direita, Cristo ergue-se do túmulo, uma cena que representa a Ressurreição. A pequena escala da obra sugere que se destinava à devoção privada e não a uma grande igreja. Pequenas plantas com flores na base do túmulo conferem um toque de vida simbólica no meio da cena de luto.

Robert Campin · Public domain

David Teniers the Younger · 1656-01-01T00:00:00Z · oil paint, panel

Este pequeno painel é uma cópia de uma obra maior do mestre italiano Paolo Veronese. David Teniers, o Jovem, um pintor flamengo, criou-o como parte de um projeto ambicioso para documentar a vasta coleção de arte do Arquiduque Leopoldo Guilherme. A cena retrata Adão e Eva na dura realidade da vida fora do Jardim do Éden. Adão é mostrado a trabalhar a terra, apoiado numa árvore enquanto utiliza uma ferramenta primitiva. Eva está sentada por perto, embalando um dos seus filhos, enquanto outra criança jaz no chão, nas proximidades. O paraíso exuberante do seu passado foi substituído por uma paisagem rústica e agreste. Teniers capta a cena com pinceladas rápidas e fluidas, que diferem do estilo polido da fonte italiana original. Ao longe, o gado pasta numa encosta-pasta numa encosta sob um céu nebuloso e nublado. Esta versão em miniatura permitiu ao Arquiduque manter um registo visual das suas posses mais valiosas num formato portátil.

David Teniers the Younger / After Paolo Veronese · Public domain

Rogier van der Weyden · 1430-01-01T00:00:00Z · oil paint, panel

Este retrato íntimo data de cerca de 1430 e é atribuído a Rogier van der Weyden, um dos pintores mais influentes do Renascimento do Norte. Acredita-se que a figura retratada seja Guillaume Fillastre, um proeminente oficial da igreja e diplomata. É mostrado de perfil de três quartos, uma pose clássica que permite ao artista captar os planos do rosto entre a luz e a sombra. O homem veste uma túnica escura forrada a pele e um chapéu simples, o 'chaperon' preto. Segura um pequeno livro aberto, o que indica a sua literacia e elevado estatuto social. Um anel verde marcante é visível no seu dedo enquanto repousa a mão sobre as páginas do livro. A técnica de Van der Weyden é precisa, focando-se no caráter individual dos traços do modelo, desde a ligeira barba por fazer no queixo até à expressão pensativa nos seus olhos. O fundo escuro e simples garante que toda a atenção do observador se mantenha na dignidade e no intelecto do homem.

Rogier van der Weyden · Public domain

Anthony van Dyck · 1638-01-01T00:00:00Z · oil paint

Esta pintura, excecionalmente larga e estreita, é um esboço para um enorme ciclo de tapeçarias que nunca chegou a ser concluído. Criada em 1638, mostra o Rei Carlos I a liderar uma procissão formal dos Cavaleiros da Jarreteira. A cena desenrola-se perante um grandioso cenário clássico, com arcos e colunas imponentes. Anthony van Dyck utilizou uma paleta monocromática de tons castanhos e cinzentos, focando-se na composição e no jogo de luz em vez de utilizar cores vivas. Apesar da sua pequena altura, a pintura contém dezenas de figuras, cada uma representada com um sentido de ritmo e movimento. O Rei é visível perto do centro, distinguindo-se pelo seu cavalo e pela sua postura régia. O projeto destinava-se a decorar as paredes da Banqueting House no Palácio de Whitehall, em Londres. Este esboço a óleo oferece um vislumbre raro da escala ambiciosa das encomendas da corte na Inglaterra do século XVII e da capacidade de Van Dyck para organizar uma multidão complexa.

Anthony van Dyck · Public domain

Peter Paul Rubens · 1614-01-01T00:00:00Z · oil paint, panel

Este retrato caloroso e afetuoso celebra a amizade entre dois grandes artistas. Peter Paul Rubens pintou o seu colega próximo, Jan Brueghel, o Velho, ao lado da esposa de Brueghel, Catharina van Marienberghe, e dos seus dois filhos. A composição é fechada e íntima. Catharina ocupa o centro, usando um elaborado colarinho de renda que demonstra a mestria de Rubens na representação de texturas delicadas. Jan Brueghel está atrás dela, olhando com um olhar calmo e sereno. A filha, Elisabeth, está no canto inferior esquerdo, usando uma pesada corrente de ouro, enquanto o filho, Paschasius, apoia a mão no braço da mãe. O fundo escuro projeta a família para a frente, enfatizando o seu estatuto e harmonia doméstica. Rubens evita a rigidez formal, captando, em vez disso, um sentido de ligação genuína entre os retratados. Esta pintura permaneceu na família Brueghel durante gerações, servindo como um memorial privado da sua vida próspera e artística em Antuérpia. Repare na forma subtil como Rubens utiliza o olhar das crianças para atrair o espectador para o círculo familiar.

Peter Paul Rubens · Public domain

Lorenzo Monaco · 1405-01-01T00:00:00Z · tempera, panel

Este pequeno e vibrante painel ilustra a história bíblica da Visitação, quando a Virgem Maria visitou a sua prima Isabel. Ambas as mulheres estão grávidas — Maria de Jesus e Isabel de João Batista. Encontram-se no centro da composição, com as mãos entrelaçadas num gesto de apoio mútuo. Lorenzo Monaco era monge e um pintor de destaque na Florença do início do século XV. O seu estilo caracteriza-se por linhas elegantes e fluidas e cores vivas e decorativas. As figuras alongadas e as dobras rítmicas das suas vestes coloridas são típicas do estilo Gótico Internacional. Observe como a montanha à esquerda e a estrutura arquitetónica à direita enquadram o encontro central. Folha de ouro é utilizada nas auréolas, captando a luz e enfatizando a natureza sagrada do evento. A pequena dimensão do painel sugere que fazia originalmente parte de um retábulo maior, provavelmente uma predela, que é a base decorativa. Uma figura de acompanhante observa a partir da porta, no extremo direito.

Lorenzo Monaco · Public domain

Anthony van Dyck · 1618-01-01T00:00:00Z · oil paint, canvas

Pintada quando Anthony van Dyck tinha apenas dezanove anos, esta obra demonstra o talento incrível do jovem artista flamengo. A cena retrata o momento em que os pastores chegam para prestar homenagem ao Cristo recém-nascido. A composição é densa e enérgica, com figuras a inclinar-se a partir da esquerda para vislumbrar a criança. A luz irradia do bebé, iluminando os rostos da Virgem Maria e dos pastores, de aspeto rude e marcado pelo tempo. Esta 'luz divina' serve como a fonte principal de toda a cena, criando sombras profundas e destaques dramáticos. Pode ver a influência de Rubens, mentor de Van Dyck, nas figuras musculosas e na pincelada arrojada. Contudo, o estilo próprio de Van Dyck emerge nas expressões sensíveis, quase elegantes, das figuras. Um grande jarro de barro e um feixe de palha estão em primeiro plano, acrescentando um toque de realismo rústico ao evento milagroso. Até o boi, ao fundo, é representado com uma presença física pesada.

Anthony van Dyck · Public domain

Quinten Metsys · 1500-01-01T00:00:00Z · oil paint, panel

Esta pintura refinada, de cerca de 1500, mostra a Virgem Maria a segurar o Menino Jesus. Ela está de pé sob um grandioso arco renascentista, decorado com querubins esculpidos e grinaldas. Para lá do arco, um vislumbre de uma paisagem meticulosamente detalhada e uma catedral gótica sugerem a transição do mundo medieval para o Renascimento. A Virgem tem um cabelo surpreendentemente longo e fluido que cai sobre a sua túnica azul, um símbolo tradicional da sua pureza. A criança estende a mão para lhe tocar, um gesto que humaniza as figuras divinas. Quinten Metsys foi um dos fundadores da escola de pintura de Antuérpia, e esta obra mostra a sua capacidade de misturar a influência italiana com o detalhe tradicional da arte do Norte. As colunas de mármore, de ambos os lados, são pintadas com uma textura marmoreada e ondulante para imitar pedra real. O chão de azulejos proporciona uma noção clara de profundidade, guiando o olhar do espectador para o par sagrado. À esquerda, um anjo toca alaúde, acrescentando um elemento musical celestial à cena.

Quinten Metsys · Public domain