Église Sainte-Marie-du-Rosaire Audioguide en français

Bienvenue dans l'église que les Vénitiens appellent encore les Gesuati, bien que son nom officiel soit l'Église Sainte-Marie-du-Rosaire. Ce nom est un vestige. Au XIVe siècle, un ordre appelé les Jésuates s'est installé ici ; c'étaient des hommes pauvres, connus sous le nom de « poveri Gesuati » parce qu'ils ne cessaient d'invoquer le nom de Jésus. Ils ont géré ce site pendant des siècles et détenaient même un monopole d'État sur la distillation du vin. Dans les années 1660, ils ne parvenaient plus à recruter suffisamment de membres, et le pape Clément IX supprima l'ordre en 1668. Les Dominicains achetèrent la propriété aux enchères en 1669 et emménagèrent l'année suivante. Les Vénitiens ne se sont jamais donné la peine de changer le nom du lieu, et cette appellation est restée depuis. Cela n'a rien à voir avec les Jésuites, dont l'église se trouve de l'autre côté de la ville, au nord. Les nouveaux propriétaires voulaient une église pour célébrer les gloires de leur ordre et encourager la dévotion au Rosaire, une fête intégrée au calendrier général en 1716 après une victoire sur les Turcs. Le projet de Giorgio Massari fut accepté en 1724 et la construction commença l'année suivante. L'église fut consacrée en 1743 et la dernière sculpture fut installée en 1755.

Waysider83 · CC BY-SA 3.0

Dans les niches de la façade se tiennent quatre femmes plus grandes que nature, les vertus cardinales : la Prudence, la Justice, la Force et la Tempérance. Celle qui se trouve dans la niche supérieure droite est la Force, sculptée par Giuseppe Bernardi, un sculpteur connu sous le nom de Torretti. Elle porte un casque et se tient sur un lourd corbeau ; elle fait partie des quatre figures que les sculpteurs ont terminées en 1736 et 1737. Massari, l'architecte, n'a pas cherché à inventer une façade originale. Il en a repris la partie centrale à l'église San Giorgio Maggiore de Palladio, qui se trouve en vue de l'autre côté du canal de la Giudecca. Il pensait que ses commanditaires dominicains seraient mieux satisfaits par l'autorité d'un célèbre prédécesseur que par la nouveauté. Ainsi, le grand fronton, les colonnes et les niches rappellent un modèle que les Vénitiens connaissaient depuis cent cinquante ans. La Force de Torretti et ses trois compagnes donnent à ce cadre emprunté sa propre touche du XVIIIe siècle.

Giuseppe Torretto · CC BY-SA 3.0

À l'intérieur, l'Église Sainte-Marie-du-Rosaire accomplit quelque chose que peu d'églises vénitiennes font. Tout ici a été conçu ensemble, en une trentaine d'années environ : le bâtiment, ses équipements, les peintures du plafond et la sculpture. Massari était responsable non seulement du bâtiment lui-même, mais aussi de sa décoration intérieure et de la commande des peintures et sculptures qui devaient l'habiter. Pour l'idée fondamentale de l'intérieur, il s'est de nouveau tourné vers Palladio, cette fois vers le Redentore. La nef est un vaste hall unique sans colonnes de séparation, aux angles arrondis de sorte que l'espace se lit presque comme une ellipse. Des colonnes corinthiennes soutiennent un entablement faisant le tour de la pièce, et six chapelles latérales s'ouvrent entre elles, trois de chaque côté. De grandes fenêtres hautes éclairent les deux murs, mettant en valeur le contraste entre les murs blancs et la pierre grise. Les murs extérieurs forment un rectangle simple, si bien que l'intérieur lumineux constitue une surprise. La décoration de l'intérieur a commencé en 1736, dix ans après la première pierre.

Marc Ryckaert (MJJR) · CC BY 3.0

La quasi-totalité des sculptures de cette église est l'œuvre d'un seul homme, Giovan Maria Morlaiter, venu d'au-delà des Alpes. C'est ici que vous trouverez le plus grand nombre de ses œuvres à Venise. Un écrivain de son siècle l'a qualifié de l'un des sculpteurs les plus talentueux de Venise au dix-huitième siècle, tandis qu'un autre a vanté son inépuisable capacité d'invention ainsi que le dynamisme de ses personnages. Entre 1743 et 1754, il a peuplé la nef : six statues grandeur nature placées dans des niches entre les colonnes, surmontées de bas-reliefs. Les statues représentent des patriarches et des apôtres, notamment Abraham, Aaron, Moïse, saint Pierre et saint Paul, autant de personnages drapés occupant chacun une niche peu profonde. Les bas-reliefs au-dessus illustrent des scènes de l'Évangile, telles que le Christ guérissant l'aveugle et la Samaritaine au puits. Le personnage enturbanné dans l'une de ces niches, qui tient un récipient couvert, montre à quel point Morlaiter savait insuffler de la vie à une pose debout. Le dernier d'entre eux, Melchisédech, est la figure qui clôt la série.

Gufo04152 · CC BY-SA 4.0

Le plafond porte le plus grand trésor de l'église, et ce fut l'une des premières grandes commandes de fresques de Tiepolo. Il a signé son contrat avec les Dominicains en mai 1737 et a terminé le travail en 1739. Trois scènes encadrées parcourent la voûte. Vers l'entrée se trouve la Gloire de saint Dominique, son ascension au ciel, et vers l'autel, la Vierge apparaît au saint. Au centre est suspendue la grande scène, l'Institution du Rosaire. Dans un ciel de nuages et d'anges, la Vierge soutient l'enfant Jésus, qui tend le rosaire à saint Dominique. Le saint se tient au sommet d'un long escalier de marbre, distribuant des rosaires aux gens en contrebas, riches et pauvres confondus, parmi lesquels un doge et un pape. Sur le bord inférieur, dans la partie la plus sombre de la peinture, des âmes damnées tombent hors du cadre. Autour des trois scènes se trouvent seize petits panneaux en monochrome, quinze représentant les mystères traditionnels du Rosaire et le seizième sa Gloire. Ils ont probablement été peints avec l'aide d'assistants, et les cadres en stuc autour de chaque compartiment sont l'œuvre d'Antonio Pelle.

Giovanni Battista Tiepolo · Public domain

Giovanni Battista Tiepolo · 1740s · canvas, oil paint

Le premier autel sur la droite abrite le retable de Tiepolo représentant la Vierge apparaissant à trois saintes dominicaines. C'est son côté lumineux, saturé de couleurs, créé pour une église dédiée à la Madone du Rosaire. Catherine de Sienne se tient à gauche, tenant une croix avec le Christ crucifié. À droite se trouve Rose de Lima avec l'Enfant Jésus dans ses bras, et l'enfant tient une rose. Assise avec elles, Agnès de Montepulciano tient une petite croix ; cette sainte ayant été canonisée seulement en 1726, sa gloire était encore toute récente au moment où le tableau a été peint. La toile était prête dès la fin de 1739, au moment où le plafond était terminé, mais elle ne fut installée qu'en 1748, et elle appartient à la même campagne de célébration de la dévotion de l'ordre à Marie. Derrière et au-dessus d'elles siège la Vierge, étrangement détachée, comme si les saintes ne l'avaient pas remarquée. C'est la peinture la plus chaleureuse de l'église.

Didier Descouens · CC BY-SA 4.0

Le troisième autel sur la droite offre un contraste délibéré : la peinture presque monochrome de trois saints dominicains de Giambattista Piazzetta. Les Dominicains ont choisi eux-mêmes le sujet pour illustrer le rayonnement missionnaire de leur ordre. En noir au premier plan, agenouillé, se trouve saint Louis Bertrand, un Espagnol parti en mission dans les Caraïbes. On raconte qu'un prêtre indigène aurait tenté de l'empoisonner, et le serpent enroulé dans le calice qu'il tient fait référence à cette histoire. Derrière lui, en blanc, se tient saint Vincent Ferrer, dont on dit qu'il serait apparu à Louis Bertrand dans une vision. Le troisième saint est Hyacinthe, qui a prêché en Orient. Il porte un ostensoir et une image de la Vierge à l'Enfant, qu'il aurait transportée avec lui dans le torrent déchaîné du Dniestr, d'où il fut sauvé par un miracle. Un critique a écrit que le véritable triomphe de ce tableau réside dans sa tonalité remarquablement austère. Après la luminosité de Tiepolo au premier autel, les ombres ici s'imposent avec force.

Giovanni Battista Piazzetta · Public domain

Le maître-autel de Massari se dresse au sommet de cinq marches, sous la coupole, et il s'agit d'une conception de Massari lui-même, dessinée en 1742 et 1743. Il l'a façonné comme une grande exèdre incurvée, une colonnade de marbre rouge de Sicile qui renferme un tabernacle incrusté de lapis-lazuli. L'autel en dessous est purement rococo, avec des marbres colorés, des coquillages sculptés et des têtes d'anges, ainsi que des reliefs de roses, d'épis de blé et de raisins. Dans les pendentifs sous la coupole, Tiepolo a peint les symboles des quatre évangélistes en monochrome, au cours des mêmes années que son plafond. Près du maître-autel, l'une des peintures monochromes au plafond montre saint Dominique agenouillé bénissant un frère dominicain. L'ancien auteur Lorenzetti a suggéré que le frère pourrait être le frère Paolo, le dominicain qui fut en grande partie responsable de la construction de l'église. S'il a raison, l'homme qui a mené tout le projet a son portrait intégré au plafond au-dessus de l'autel.

Photo: Andrewrabbott · CC BY-SA 3.0

Le troisième autel sur la gauche abrite l'une des plus anciennes peintures de l'église, une Crucifixion du Tintoret, peinte vers les années 1560, deux siècles avant l'église qui l'entoure. Le Tintoret l'a réalisée pour la petite église qui se trouvait à cet emplacement auparavant, dédiée d'abord à saint Jérôme puis à la Visitation, l'église des Jésuates. Lorsque les Dominicains construisirent leur nouvelle église à côté, ils transférèrent la toile. À l'époque, elle était en mauvais état, ils chargèrent donc Piazzetta, le peintre dont les saints sombres sont accrochés sur le côté droit, de la restaurer en 1743. Le Christ en croix occupe le haut de la toile, entouré de lumière, tandis qu'en dessous, un enchevêtrement de personnages s'effondre de douleur. Une toile de la Renaissance des années 1560, suspendue dans le cadre rococo de Massari, accomplit toujours son œuvre ici.

Jacopo Tintoretto · Public domain

Sebastiano Ricci · 1733 · oil paint

Le premier autel sur la gauche a une particularité : il s'agit de la première œuvre commandée spécialement pour le nouveau bâtiment. Sebastiano Ricci l'a peinte en 1732 et 1733, et il s'est avéré que ce fut l'une de ses dernières créations, car il est décédé en 1734. La toile célèbre trois des Dominicains les plus célèbres. Le pape Pie V est assis sur son trône en blanc et rouge, farouche opposant au protestantisme, qui avait été canonisé en 1712. Il vénérait profondément saint Thomas d'Aquin, la figure sur la gauche, qu'il avait fait docteur de l'Église. Thomas d'Aquin est identifié par le soleil sur sa poitrine et par le livre dans sa main, sa grande Somme théologique. À droite se trouve saint Pierre martyr, et au-dessus des trois flottent des anges, l'un d'eux portant la palme du martyr. L'autel sous la toile est une œuvre de Morlaiter, réalisée en 1744 et 1745.

Sebastiano Ricci · Public domain